Introducción
Gambito de dama (The Queen’s Gambit) es una miniserie de televisión estadounidense basada en la novela homónima de Walter Tevis (1983). Estrenada el 23 de octubre de 2020 en Netflix, narra la vida de Beth Harmon, una joven prodigio del ajedrez que lucha contra la adicción mientras busca convertirse en la mejor jugadora del mundo. Ambientada en las décadas de 1950 y 1960, combina drama, tensión psicológica y una exploración del talento y los desafíos emocionales.
Para este análisis nos centraremos en el episodio número 3. En este, Beth comienza a competir en torneos más importantes, mientras lidia con sus inseguridades y su dependencia a las drogas. Tras obtener una victoria en un torneo local, se enfrenta a jugadores más experimentados, y empieza a ganar reconocimiento en el mundo del ajedrez. Su madre adoptiva, Alma, se convierte en su manager y a la vez compañera, formando un vínculo especial. Beth también experimenta su primera atracción romántica, pero sigue enfocada en su objetivo: alcanzar la cima del ajedrez competitivo, incluso mientras sus adicciones comienzan a ser un problema.
A lo largo del episodio, nos encontramos diversas escenas donde el sonido cobra una gran importancia, en este trabajo, analizaremos algunas de estas escenas.
Análisis descriptivo
El fragmento seleccionado corresponde al inicio del tercer capítulo de la serie Gambito de Dama. Desde el principio destaca el sonido extradiegético del reloj cuyo “tik-tak” se mantiene como un hilo conductor a lo largo de la escena.
La música que aparece en este fragmento pertenece al estilo cinematográfico y predominan instrumentos de cuerda, en concreto violonchelo. La música es extradiegética y refleja el estado emocional de Beth. A su vez cumple doble función: crear un vínculo emocional y crear atmosfera que varía entre la tensión y la melancolía. Comienza con tonos graves, que nos lleva a pensar que va a ocurrir lo peor, pero posteriormente la música sube a notas más altas y transmite el alivio que obtiene Beth al ver a su madre salir del agua. Está situada en el canal surround, de tal manera envolviendo totalmente al espectador.
Por otro lado, podemos distinguir sonidos diegéticos como el sonido ambiente del viento, que no es un viento del día tranquilo, sino es un viento fuerte con función de intensificar y dar esa atmósfera “oscura” a la escena. Al estar situado en el canal estéreo, el viento básicamente golpea al espectador por ambos lados. Sonidos del agua y los gritos de la niña están situados en canal central. Todos estos elementos sonoros se equilibran entre sí, complementándose sin restarse protagonismo, lo que potencia la inmersión emocional del espectador.
En conclusión, el diseño sonoro de este fragmento logra transmitir de manera adecuada y efectiva la evolución de las emociones que experimenta Beth.
Análisis del doblaje
Para el video análisis de doblaje hemos escogido una escena de conversación entre adolescentes, tenemos muchos sonidos diegéticos en esta escena, ya sea los sonidos típicos de la calle en la noche (coches pasando, grillos, etc) o sonidos ambientes de una sala de estar (conversaciones de fondo, televisión, chimenea). Uno de los principales motivos por lo que esta escena es interesante es el uso de tonos sarcásticos y crueles usados en la conversación, el contraste entre la protagonista y la chica que celebra la reunión.
Al principio de la conversación ya podemos notar una gran diferencia en la VO (Versión Original) y la doblada, en la VO la pronunciación es menos forzada y con un tono más relajado y natural, cuando cambiamos a la doblada nos damos cuenta de que la pronunciación es más forzada y “correcta”, lo cual transmite una sensación de conversación irreal o cinematográfica, además el audio de las voces se nota más claro, como si estuviera “enlatado”, reforzando por lo tanto la sensación de conversación cinematográfica y disminuyendo la empatía que pueda generar la escena hacia la protagonista.
En el siguiente cambio apreciamos como los sonidos ambientes de la escena producidos por los movimientos y las voces de las chicas en la sala desaparece en la versión doblada, si se mantiene el sonido diegético de la televisión (que se mantiene en inglés en ambas versiones) a lo largo de toda la escena, esto resalta aún más las voces y la conversación de la protagonista con las chicas, pero le quita profundidad a la escena ya que no hay sonido de fondo y parece que la conversación se lleve a cabo en una sala vacía y sin vida, un entorno lleno de persona debe producir ruidos de fondo.
Por último queremos resaltar especialmente al final de la escena la diferencia entre tonos empleados en ambas versiones, la VO usa unos tonos más fluctuantes y que van cambiando a medida que avanza la conversación, en la doblada, especialmente la protagonista, los tonos son más planos y agresivos, esto es especialmente notable en la parte final de la conversación, la protagonista responde de manera casi robótica a las provocaciones que se le hacen y además la organizadora tiene un tono hostil y sarcástico mucho más marcado en que en la VO en esta última ,por otro lado, el tono de la protagonista se nota más tímido y asustado, como alguien que está fuera de su entorno, y la organizadora de la fiesta mantiene fluctúa entre un tono formal y sarcástico, buscando así humillar a la protagonista pero al mismo tiempo mantener una fachada de chica amable y buena anfitriona.
Análisis diacrónico
Vuelta a la realidad a través de la música.
Para realizar el análisis diacrónico utilizaremos un fragmento cuyo inicio va desde el 0:40:56 hasta el 0:41:30, donde analizaremos como la música por medio de la pausa nos devuelve a la realidad.
La escena seleccionada nos sitúa en el final de una partida de ajedrez, Beth al realizar que no le queda otra salida que retirarse, empieza a tener un diálogo interno que posteriormente deriva a un recuerdo con la situación similar. El hombre solo le dice tres palabras: ahora te retiras. Este momento refleja su desconexión de la realidad mientras lidia con el impacto de su derrota. Todo esto está acompañado de música extradiegética cinematográfica de piano. (1)
Al entender la situación en la que se encuentra, la música empieza a intensificarse y pasa de ser música suave a ser música intensa y dramática, de tal manera refuerza su desesperación emocional. Todo el desastre de la situación también lo notamos con el silencio que hay alrededor de la heroína. (2)
Posteriormente, la música extradiegética se corta de manera brusca (3) y Beth decide actuar y afrontar la situación. El corte nos devuelve al presente y Beth echa la mano a su oponente.
Finalmente, surgen sonidos diegéticos como el apretón de manos y el ruido de la silla que mueve el oponente. Al final saltan los aplausos de todo el público que los rodeaba y vemos a Beth deprimida. (4)
En conclusión, el uso progresivo de la música en esta escena nos muestra el viaje emocional de Beth y como los cambios sonoros son capaces de reforzar la dualidad de su mundo interior y exterior.
- Música extradiegética: La escena comienza con notas suaves de piano. La protagonista tiene dialogo interior.
- Música extradiegética que refuerza el miedo: Tras su diálogo interior, la música empieza intensificarse y se vuelve dramática. Lo acompaña el silencio del fondo.
- Silencio: se corta la música de manera muy brusca y la heroína vuelve a la realidad y afronta la situación echando la mano a su oponente.
- Aplausos: no hay música, solo sonidos diegéticos de aplausos y flashes de las cámaras.
- Fin : Transición a la siguiente escena.
Análisis por modificación (MIDI)
Para el análisis MIDI hemos escogido una secuencia reflexiva donde la protagonista habla con una mujer en una mesa mientras recuerda partidas contra otros jugadores y hablan sobre como la ella se siente al enfrentarse a otros jugadores.
1: Insertar MIDI
Para darle un ambiente reflexivo a la escena le incluimos la pista MIDI “Retrospective Piano” a 80 bpm. Esta pista MIDI acompañado de la actuación nos da la sensación de que nos adentramos en la psique de la protagonista mientras recuerda a sus oponentes pasados y busca fuerzas para enfrentar a sus miedos contra el jugador ruso, es una conversación distendida pero reflexiva que nos da esa sensación de que esté estudiando el terreno para saber cómo llevar a cabo su próximo movimiento.
2: Modificar tempo
Para la segunda versión hemos decidido subir los bpms de la pista MIDI, esto no cambia tanto el ambiente creado por la pista, pero si le da un toque notable de urgencia y tensión, como si su enfrentamiento con el jugador ruso fuera inminente, tuviera menos tiempo para prepararse y por lo tanto le generara más miedo y tensión que en la versión anterior.
3: Modificación del instrumento
En la tercera ocasión hemos mantenido la partitura, pero esta vez es interpretada por una guitarra. Esto hace que la sensación sea más parecida que a la de la primera escena, pero con un tono aún más relajado, restandole también seriedad al contenido de la conversación como si fuera una charla casual cualquiera entre dos amigas.
4: Modificación de ataque
Para la última escena hemos mantenido la guitarra y hemos reducido la potencia del ataque de esta, los brillos y notas agudas desaparecen casi por completo de la melodía de la guitarra, reforzando así la tranquilidad y despreocupación reflejadas en la escena 3 al extremo, la charla se vuelve prácticamente monótona y aburrida.
Análisis por modificación temporal
La música y el tempo son tan decisivos a la hora de comprender una escena, que una simple variación de tempo, un cambio de instrumento o un simple silencio, pueden cambiar la intencionalidad de una escena por completo, como veremos a continuación.
En primer lugar, observemos la escena original:
Vemos como la música está colocada muy al fondo, y su importancia comienza cuando termina el diálogo; mientras la cámara realiza un zoom a nuestro personaje, la música pasa a ser total (y extradiegética) con un crescendo, cumpliendo varias funciones. Refuerza la narrativa de la escena, permite alargar el plano y refuerza las emociones y narrativa del personaje.
Escena sin música:
Al eliminar la música, ocurren dos cosas clave. Durante los diálogos, la diferencia no es tan evidente, ya que la música estaba de fondo y casi como un simple acompañamiento. Sin embargo, una vez que el diálogo termina, el plano se vuelve arrítmico, largo y, en consecuencia, incómodo de ver. La ausencia de música crea un vacío que hace que el tiempo se dilate, generando una sensación de tensión y espera. La escena, en lugar de sentirse fluida, se torna incómoda, como si algo estuviera a punto de ocurrir, pero no sucede. Así, el silencio amplifica la desconexión emocional entre los personajes, haciendo que el espectador se sienta atrapado en ese momento estático.
Música modificada 1:
En la primera modificación que hemos realizado, la transformación de la atmósfera se logra a través de un cambio radical en la música. Hemos sustituido la pista original por una composición orquestal tomada de un archivo MIDI preexistente en Logic Pro X, que incluye una combinación de piano y cuerdas. Este nuevo enfoque musical no solo cambia el tono sonoro, sino que altera completamente el ambiente emocional de la escena. Lo que inicialmente era un diálogo casual y relajado entre los dos personajes, donde el chico flirteaba de manera tranquila con la protagonista, se convierte en un momento cargado de tensión. El uso de los instrumentos de cuerda, que generan un sonido más dramático y un tanto inquietante, junto con el piano, que agrega una sensación de solemnidad, cambia la percepción de la conversación. De esta manera, la interacción que parecía sencilla ahora se siente como un duelo intelectual.
Lo que antes era una situación de complicidad y coqueteo, pasa a ser una escena de confrontación sutil, donde el lenguaje no verbal y las miradas empiezan a cargar con una tensión que se intensifica constantemente. Además, la música sigue un patrón de crescendo, un recurso que se utiliza con la intención de aumentar progresivamente la intensidad de la escena, lo que recalca la incomodidad de la chica.
La música, en este caso, no solo acompaña la escena, sino que se convierte en un elemento esencial que refleja la transformación interna de los personajes, especialmente la protagonista, cuya tensión se hace palpable.
Música modificada 2:
En la segunda modificación, decidimos agregar un giro aún más impactante, manteniendo la música de tensión que ya habíamos utilizado previamente. Sin embargo, en esta ocasión, hemos incorporado un corte seco en el momento justo en que la chica pregunta: “In your room?”. Este corte de la música, sincronizado de manera precisa con la línea de diálogo, cambia por completo la dinámica de la escena. En lugar de seguir la tensión creciente que se había estado construyendo, la ausencia repentina de sonido crea un vacío inquietante. Este vacío no solo altera el ritmo de la escena, sino que reconfigura la interpretación de los personajes. En lugar de ser el chico quien domina la situación, ahora parece que es la chica quien toma el control. La pregunta, cargada de una energía de rechazo implícito, transforma la narrativa, dejando en claro que, en ese momento, la protagonista no está interesada ni en la propuesta ni en el coqueteo. Su actitud se vuelve distante, y el cambio en la música refuerza esta percepción.
Este corte en seco sirve como un cambio dramático que demuestra cómo la música, y su interrupción, tienen el poder de alterar la narrativa de una escena. A través de este sencillo recurso, no solo modificamos la atmósfera, sino que también modificamos la percepción de la relación entre los personajes.
Conclusión
Por si alguien lo dudaba, el sonido (o su ausencia) es crucial en cualquier pieza cinematográfica. Tras las diferentes modificaciones que hemos realizado, queda claro que es una parte clave de la narrativa de una serie, y que una modificación en los recursos sonoros es igual o más importante que una modificación en la imagen en sí; puede cambiar su significado completamente. El sonido no sólo acompaña, sino que, en ocasiones, es el protagonista de las narrativas en el cine.
Es importante destacar los distintos tipos de recursos sonoros que enriquecen la experiencia audiovisual: el sonido diegético, que pertenece al mundo narrativo (como los diálogos, los pasos o la música que los personajes pueden oír), y el sonido extradiegético, que está fuera de la realidad de los personajes, como las bandas sonoras o efectos utilizados para intensificar emociones. La música extradiegética, por ejemplo, puede transformar una escena de neutral a emotiva o generar tensión en momentos clave.
Además, otros recursos como los silencios estratégicos, los leitmotivs sonoros (temas recurrentes que acompañan a un personaje o situación), o incluso el uso de sonidos abstractos o manipulados para representar estados psicológicos, demuestran cómo el sonido puede ser un narrador por derecho propio, capaz de guiar la percepción del espectador y aportar capas de significado que trascienden la imagen.
